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Marianna Dellekamp presenta en Madrid 'Se renta'

Marianna Dellekamp presenta en Madrid 'Se renta'

Rento recámara con tapanco, en depto de dos habitaciones, sala, cocina, baño, etc... En comunidad tranquila y con muchas plantas". Este texto, que corresponde a un anuncio inmobiliario, cotidiano, escogido al azar, es el motor de arranque del proyecto de la fotógrafa Marianna Dellekamp (México, 1968) con el que inaugura la exposición Se renta en el Instituto de México de Madrid hasta el 29 de julio, en el marco del festival PHotoEspaña. 

Este anuncio, junto con una docena más rescatados del anonimato de algún tablón o periódico, sirvieron como excusa para que la artista diese forma a un proyecto en el que, de incógnito, acompañó a una amiga en la peripecia de buscar piso y así poder atrapar las imágenes que diesen forma a los textos. Una vez allí, la artista retrató el espacio con permiso del propietario sin que éste supiera que de alguna manera iba a formar parte de un proyecto artístico. "La gente fue muy amable, pero no sabían para qué quería en el fondo las imágenes. A veces hay que valerse de muchas cosas, pero prima la ética en el trabajo. No resultaba una idea agresiva. Pido disculpas públicas", confiesa divertida, a EL PAÍS, con una inocencia casi infantil, como quien acaba de desvelar una pequeña travesura.

Fuente y sigue leyendo: El País

En red, el arte digital español

En red, el arte digital español

Ya está disponible en Internet la primera plataforma y base de datos que incluye la más amplia selección de artistas y obras de new media art español.

Net_España, un proyecto dirigido por Claudia Giannetti y producido por Mecad/Media Center de Arte y Diseño de Barcelona, con la colaboración del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) y el Ministerio de Cultura, recopila la historia del arte digital en nuestro país, desde la década de 1960 hasta el año 2000, a través de las obras de sus principales protagonistas.

"Desde el principio el objetivo no fue escribir una historia lineal, sino ofrecer, con el lenguaje hipertextual propio de los sistemas digitales, un campo abierto de consulta", afirma Giannetti.

Net_España incluye 86 creadores y más de 160 obras comentadas, a las que se puede acceder mediante el índice alfabético de artistas o el listado de medios y tecnologías, dividido en 10 epígrafes (cine experimental, animación digital, electrografía, fotografía digital, holografía, instalación audiovisual, instalación interactiva, Internet y multimedia, mediaperformance y vídeo).

NET_ESPAÑA: www.mecad.org/net_es.htm

Sigue leyendo: El País

Le Corbusier en el Reina Sofía

Le Corbusier en el Reina Sofía
 

Le Corbusier no solo fue uno de los arquitectos modernos que más influyó en la arquitectura del siglo XX, sino también un notable pintor y escultor así como diseñador de muebles. Fue un artista completo que como buen socialista vinculó sus ideas a la utopía y las puso al servicio del hombre. El otro Le Corbusier, el menos conocido por el gran público, ha pervivido gracias a la constancia de Heidi Weber, amiga, confidente y depositaria de su legado, que ahora ha traído al Museo Reina Sofía --la exposición será clausurada el 3 de septiembre--, 160 obras que habitualmente exhibe en el museo que lleva el nombre del arquitecto, en Zurich.

Nacido Charles Édouard Jeanneret-Gris el 6 de octubre de 1887 en la Suiza francófona, a los 29 años se traslada a París y adopta el seudónimo de Le Corbusier, apellido de su abuelo materno. Durante sus estudios de arquitectura conoce a los artistas, y su trabajo, que marcaron las vanguardias del siglo pasado. Su gusto por el constructivismo ruso y por artistas como Legger y Picasso, al que admiraba, se observa en los cuadros expuestos.

Precisamente la obra La caída de Barcelona --único cuadro de Le Corbusier que se exhibe en un museo español-- guarda una clara relación con el Guernica. Le Corbusier pintó el cuadro en 1939 ante las noticias que le llegaban sobre los bombarderos de la ciudad y su toma por la fuerzas franquistas. Conocía la ciudad porque figuró en algunos de sus proyectos urbanísticos y en la que residían amigos como Josep Lluís Sert.
Le Corbusier siempre dijo que la "clave" de su arquitectura había que buscarla en la pintura. Y en la exposición comisariada por Juan Calatrava, se ve la simbiosis entre ellas. Estructurada en tres partes, comienza con los míticos muebles --el sillón de tubos metálicos y la chaise longue-- realizados en los años 20. En el segundo bloque se reune la mayor parte de los cuadros que cumplen con una de las reglas del artista: huir del monumentalismo de los museos para hacerlos domésticos. En este caso los cuadros han sido colgados a una altura más baja de lo normal, aunque Le Corbusier "los hubiera puesto a ras de suelo", según Calatrava.

La tercera parte es una reproducción de la Maison de l'homme en la que el arquitecto considerado uno de los padres de esta disciplina en el siglo XX, combina las artes plásticas en una construcción. Para Le Corbusier, "las escaleras separan y las rampas unen".
El hormigón, la construcción cúbica, el empleo de los colores brillantes y las estructuras metálicas en los tejados, características de su obra, albergan los planos, grabados y litografías de un arquitecto que no dejó de pintar en toda su vida.

Fuente: El Periódico

Luis Gordillo recibe de manos del Rey el Premio Velázquez 2007

Luis Gordillo recibe de manos del Rey el Premio Velázquez 2007

Luis Gordillo es el nuevo Premio Velázquez 2007. El pintor sevillano afirma que desde los comienzos de su carrera tuvo la sensación de que "la pintura tenía los pies de barro". Añade que "esta sensación de inseguridad" que le ha acompañado toda su vida, al final "ha sido como una vacuna", que le ha ido fortaleciendo.

En su discurso tras recibir el VI Premio Velázquez de Artes Plásticas 2007 de manos del Rey, Gordillo repasó su trayectoria artística, desde el informalismo de los años sesenta y el Pop Art, hasta llegar a su obra abstracta, que, destacó, es la que prefiere, "sobre todo la de los noventa y la de los últimos años". 
Luis Gordillo quiso "enviar un abrazo colectivo" a los artistas que le precedieron en este galardón, entre los que citó a Antoni Tapies -"al que veneré en mis primeros años de pintor", dijo-, Pablo Palazuelo -"con el que he mantenido una relación de amistad y de mutua admiración"- y Antonio López -"hermano o compañero de camino"-.

En la entrega del Premio Velázquez estuvieron presentes junto al Rey en el Museo del Prado la Reina Sofía y la ministra de Cultura, Carmen Calvo. 

Fuente: EFE
 

El Museu Picasso descubre las fotos más privadas del pintor

La fotógrafa americana Lee Miller y su marido, Roland Penrose, eran grandes amigos del artista.
El hijo de la pareja encontró una colección de negativos inéditos en la buhardilla de su casa.

Lee Miller se despojó del uniforme militar y se bañó en la bañera de Adolf Hitler, que ya se había suicidado en su búnker. Es una de las anécdotas que jalonan la vida de Miller (1907-1977), bellísima modelo, fotógrafa surrealista, corresponsal de guerra traumatizada por su entrada en los campos de concentración de Dachau y Buchenwald, y amiga íntima de Pablo Picasso. El Museu Picasso se suma a la celebración de su centenario con la exposición Lee Miller. Picasso en privado, que presenta hasta el 16 de septiembre 244 obras, de las que 164 son fotos suyas en buena parte inéditas.
Tony Penrose, su hijo, las encontró a su muerte en la buhardilla de su casa de campo en Chiddingly (Gran Bretaña). Había 60.000 negativos, de los que 1.000 documentan la vida privada de Picasso y sus amigos, entre los que se hallaban Miller y su último marido, Roland Penrose, artista y teórico británico que escribió 18 libros sobre el pintor. La muestra es producto de una rigurosa investigación dirigida por la historiadora Katherine Slusher, que acerca la vida extraordinaria de una americanita de pueblo que se codeó con lo mejor de la intelectualidad de París, adonde llegó en 1930.

Sigue leyendo en El Periódico.
 

Fotografía:

PÍCNIC EN LA HIERBA. Una de las versiones de una célebre instantánea, la única en donde sale la fotógrafa: Roland Penrose; Miller fumando; el poeta Paul Éluard; su mujer, Nush, y Ady Fidelin en 1937. En otras fotos aparecen Dora Maar y Picasso. Foto: THE PENROSE COLLECTION / R. PENROSE ESTATE

Richard Serra reta al espacio en el MoMA de Nueva York

Richard Serra reta al espacio en el MoMA de Nueva York

Pocos museos están preparados para sostener el peso físico de las monumentales obras que centran el trabajo de Richard Serra. Uno de ellos es el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), cuya remodelación incluyó la creación de las galerías contemporáneas de la segunda planta pensando, precisamente, en el trabajo de artistas como este californiano. Ayer, cuando se presentó a la prensa la retrospectiva Escultura de Richard Serra: 40 años, el artista se rindió a la visión de la pinacoteca por crear "un espacio que motivará y potenciará a generaciones venideras".
Ese espacio es donde --tras un proceso de instalación que el director del museo, Glenn Lowry, definió como "casi un ejercicio militar"-- los visitantes podrán experimentar a partir del domingo y hasta el 24 de septiembre Band, Torqued Torus Inversion y la espectacular, improbable, cautivadora y se diría infinita Sequence. Esas son las tres obras de nueva creación que, con otras 24 repartidas entre el jardín y la sexta planta del MoMA, conforman la exposición.
La muestra, un empeño conjunto del MoMA y del DIA Center for the Arts, permite encontrarse con el trabajo de un artista que reta conceptos como la masa y la forma, que es capaz de transmitir con el acero la más intensa sensación de suavidad y flexibilidad, que encuentra inspiración más allá de la arquitectura y de la naturaleza, y que convierte la escultura no en objeto sino en espacio, haciendo más que apropiada su llamada a pensar en y con los pies.
"Son espacios que cada uno siente de forma diferente", explicaba ayer Serra en la sala de la segunda planta. "He hablado con un cineasta a quien una de las obras le recordaba a rollos de cine y con un músico para quien era un instrumento. Y eso es justamente lo que quiero: que cada uno traiga su propio equipaje y recorra con él las obras".
Las piezas instaladas en la sexta planta son una mirada a los primeros trabajos de los años 60, 70 y principios de los 80, obras en las que Serra innovó con materiales como la goma, el neón y el plomo. Pero no es una mirada nostálgica. Y Lynne Cooke, una de las comisarias, lo reafirmaba. "Retrospectiva suena a repaso, a culminación, pero esta nos pide que miremos hacia adelante".

Fuente: El Periódico 

El Reina Sofía exhibe fotografías de Man Ray, Cartier-Bresson y Dora Maar en la muestra 'Percepciones'

El Reina Sofía exhibe fotografías de Man Ray, Cartier-Bresson y Dora Maar en la muestra 'Percepciones'

El Museo Reina Sofía acoge desde mañana y hasta el 22 de julio, con la décima edición de PHotoEspaña 2007 como telón de fondo, la exposición Percepciones. Itinerario Selectivo, un recorrido por las instantáneas más representativas de 17 fotógrafos pertenecientes al Fondo de Fotografía de la Colección Permanente de la pinacoteca madrileña. Henri Cartier-Bresson, Dora Maar, Man Ray y Jean Moral son sólo alguno de los autores elegidos para esta exposición, que rotará por motivos de conservación.

La muestra se divide en cinco áreas temáticas, distribuidas por la planta segunda y cuarta del museo: la guerra civil española, el proceso creativo del Guernica, el cine y la fotografía surrealista, el retrato y los nuevos enfoques arquitectónicos. Estas salas albergarán una "selección transversal", en la que no están "todas las obras de la colección, pero sí traza un recorrido completo desde un punto de vista cronológico", según ha señalado la Subdirectora General de Conservación del museo, María García Yelo.

Sigue leyendo en El País.

Fotografía: Refugiados en la estación de metro Sevilla, en 1938- JUAN PANDO

El Macba explora la relación entre las artes y el teatro

El Macba explora la relación entre las artes y el teatro

En los años 60, el arte salió a la calle en forma de happening y se contagió de la transversalidad del teatro. El contagio, que había empezado mucho antes con las locuras dadaístas, dio todo el protagonismo al espectador, que dejó de ser sujeto pasivo para convertirse en actor. De esa relación, a veces ambigua, entre las artes teatrales y las plásticas, trata la exposición Un teatro sin teatro que podrá visitarse en el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (Macba) hasta el 11 de septiembre.

Abrumadora en su extensión --dos plantas del museo-- y en la cantidad de documentación original, esta exposición de 600 obras "no es sobre teatro ni sobre escenografía", advirtió ayer Manuel de Borja-Villel, director del Macba. Lo que pretende demostrar, dijo, es que el arte "es también la construcción de un discurso" que en su aspecto ideológico y político se acerca "a la promesa de utopía que la modernidad no llegó a cumplir". En definitiva, se trataba de romper las estructuras tradicionales abriendo el escenario teatral a la vida o a la experimentación efímera. Preparada por Bernard Blistène y Yann Chateigné, la exposición carece de estructura cronológica y se articula a base de secuencias, chispazos o coincidencias. La primera planta se centra en una batería de aportaciones teóricas, entre las cuales destaca la de Antonin Artaud, que anticipaba ya la rebelión con esta consigna: "Conviene ante todo acabar con la dictadura del texto".

Fuente: El Periódico (y sigue leyendo)
 

Últimos días para ver la exposición de Roy Lichtenstein

Últimos días para ver la exposición de Roy Lichtenstein

La exposición, ROY LICHTENSTEIN: DE PRINCIPIO A FIN, que puede verse en la Fundación Juan March (Madrid), se ha prorrogado hasta el próximo 27 de mayo y muestra casi un centenar de obras que recrean el complejo proceso creativo de un o de los máximos exponentes, junto a Andy Warhol,  del pop americano.

La muestra fue organizada en colaboración con la Roy Lichtenstein Foundation de Nueva York y comisarida por Jack Cowart. Ilustra y recrea, de principio a fin, el complejo proceso artístico de este pintor, escultor y artista gráfico, y ofrece, por primera vez, una visión completa e inédita de las diferentes etapas de dicho proceso creador.
Podrás ver la exposición en Madrid hasta el próximo domingo. Si no, entre el 15 de junio y el 23 de septiembre estará en la Pinacothèque de París.

Las edades del hombre

Las edades del hombre
La basílica de Nuestra Señora de La Encina y la iglesia de san Andrés de Ponferrada acogen de Mayo a Noviembre una nueva exposición de Las Edades del Hombre.

La muestra se organiza con abundante material de diversas procedencias, aunque principalmente de la diócesis de Astorga, en la que se engloban territorios de León, Orense y Zamora, y se presenta como la primera de un nuevo ciclo de esta ambiciosa serie de exposiciones de arte sacro.

El mensaje de la muestra está vinculado al Camino, en relación con el hecho de que Ponferrada sea paso de la ruta jacobea (pons ferrata era el puente de hierro que superaba el paso del Sil).

La Fundación "Las Edades del Hombre" ha organizado primero sucesivas muestras de arte religioso en cada una de las sedes episcopales de Castilla y León.

El primer ciclo de las muestras ha tratado temas monográficos (el arte, la música, los documentos...); posteriormente se centró en otros asuntos relacionados con las propias Diócesis o con acontecimientos que estas celebraban, para concluir en el epílogo de Ciudad Rodrigo con el Señor de la Historia. 
Sigue leyendo.
MAYO A NOVIEMBRE 2007
Lunes: permanecerá cerrada, excepto festivos
Martes, miércoles, jueves y viernes: de 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas.
Sábados, domingos y festivos: de 10 a 20 horas, ininterrumpidamente.

Un nuevo espacio para el arte contemporáneo

Un nuevo espacio para el arte contemporáneo

La colección particular de arte contemporáneo que Josep Suñol ha ido recogiendo a lo largo de 30 años se abrirá hoy al público en su sede del número 98 del Paseo de Gracia, junto a la Pedrera. La exposición inaugural, una selección de las más de 1.200 piezas de la colección, se inicia con un homenaje al galerista Fernando Vijande, con un retrato de Andy Warhol. Tres piezas de Picasso, Miró y Dalí resumen el espíritu de la modernidad. El resto es un repaso de los movimientos del siglo XX con una atención especial a Zush, Hernández Pijoan y Bartolozzi. Sin olvidar a artistas de la talla de Man Ray, Pablo Gargallo, Alberto Giacometti, Lucio Fontana, Luis Gordillo y Miquel Barceló, entre otros, sin que la intención sea establecer un discurso cronológico.

Fuente: El Periódico.

El arte por la cara hasta la madrugada

El arte por la cara hasta la madrugada

"Ah, ¿pero es gratis?", dice Socorro hacia la ventanilla. "Sí, sí, hoy es el Día de los Museos, coja una entrada", le responden desde el otro lado. Socorro coge una de las entradas colocadas en la bandeja y se dispone a entrar en el Reina Sofía. "Yo venía porque quería verlo, no tenía ni idea de que hoy fuera gratis", dice como excusándose.

Bajo el lema Museos y Patrimonio universal se celebró ayer el Día Internacional de los Museos, que tiene lugar en Europa, desde 1977, el 18 de mayo. Conciertos, visitas guiadas, conferencias, talleres y acceso gratuito fueron algunas de las iniciativas llevadas a cabo en más de 2.000 museos de Europa. En Madrid, las salas doblaron sus visitas.

La actividad se concentró, durante la jornada de ayer, en el llamado paseo del arte, con el Prado, el Reina Sofía y el Thyssen-Bornemisza como principales destinos de los visitantes.

Fuente y sigue leyendo: El País.

Rothko, de momento, el más caro

Rothko, de momento, el más caro

La pintura que vemos ahí arriba, de Mark Rothko, la puso en venta ayer el filántropo David Rockefeller y se convertió en la obra de arte contemoporáneo más cara vendida en una subasta: 72,8 millones de dólares, ahí es nada.

El título de la obra es "Centro Blanco (Amarillo, Rosa y Lavanda sobre Rosa), fue adquirida por un postor anónimo vía telefónica en la subasta que se celebró ayer de la, ya popularísima, firma Sotheby's. El precio al que se llegó con la venta de esta obra no sólo significa un récord para el artista, sino que convierte a esta pintura, que data de 1950, en la obra de arte creada después de la Segunda Guerra Mundial más valiosa que se haya vendido en subasta. El anterior record lo tuvo Willem de Kooning.

Memoria del agitador o la fundación de Ajoblanco

Memoria del agitador o la fundación de Ajoblanco

Muchos de los miembros de la generación que conoció los estertores de la Universidad franquista todavía guardan un ejemplar de Ajoblanco en algún rincón. La revista alternativa más influyente de los últimos 30 años salió a la calle en octubre de 1974, con un capital de 1.800 euros, sin publicidad y con el propósito de ejercer el asambleísmo. Llegó a vender más de 100.000 ejemplares y se convirtió en el referente libertario de una generación que quería descargarse la losa franquista. Cabía todo, o casi todo. Cabía la ortodoxia y la heterodoxia. Era sorprendente, fresca y atractiva. Era Ajoblanco y había que seguir su pista.

Horas antes de la llegada del primer número a los quioscos -entre otros asuntos se recogía un artículo sobre Frank Zappa y un informe sobre la movida sevillana-, Quim Monzò lanzó en Barcelona un brindis puño en alto: "Ajoblanco será una revista contra els imbecilistes". De todo ello y mucho más -el libro tiene 574 páginas- da cuenta Pepe Ribas (Barcelona, 1951), fundador de la revista, en Los 70 a destajo. Ajoblanco y libertad (RBA), una mezcla de autobiografía y crónica de la época. "Pertenezco a una generación con más humor que autoritarismo", asegura Ribas. "No hemos querido el poder. Posibilitamos desde la calle los cambios que llegaron después, pero la manipulación no iba con nosotros. En muchos casos se trata de gente que continúa en el compromiso desde los barrios, los sindicatos o las ONG. Nuestros hermanos mayores fueron políticos como Felipe o Maragall. Les gustaba la chanson, los dogmas, el poder y leían Triunfo, pero los seguidores de Ajoblanco no andábamos en esas coordenadas; crecimos con el ecologismo y el feminismo". La evolución de Ajoblanco creció a caballo de la CNT y los movimientos libertarios, pero siempre proclamó su independencia.

Fuente y sigue leyendo: El País

Los ojos enfermos de Monet y Degas

Los ojos enfermos de Monet y Degas

Marmor publica en The Archives of Ophtalmology un experimento que sostiene que los cambios de estilo que Degas y Monet acusaron en sus últimos años no responden a una evolución hacia el arte abstracto o expresionista, como defienden muchos críticos de arte, sino a las afecciones oculares que sufrieron con la edad. Degas tuvo una degeneración macular que le nublaba la vista, Monet sufrió cataratas. "Su época más abstracta coincide con los años en los que veía tras el filtro borroso y amarillento de la enfermedad", dice el científico. "Tras ser operado, volvió a su estilo anterior".

Fuente y seguir leyendo: El País

Can Framis, Vila Casas y 18 millones de euros

Can Framis, Vila Casas y 18 millones de euros

Como pasó en su día con Casa Ramona y como esperemos que pase definitivamente con Can Ricart, algunas de las antiguas fábricas de Barcelona se convierten en nuevos espacios para la cultura.

El coleccionista Antoni Vila Casas, en colaboración con la inmobiliaria Layetana, destinará unos 18 millones de euros a rehabilitar una destartalada fábrica de Poblenou para exponer de forma permanente su fondo de arte contemporáneo catalán.
Can Framis, hoy casi una ruina, ocupaba cuatro manzanas de Eixample y funcionaba desde mediados del siglo XIX como centro de teñido de algodón. Compartimentada con los años, quedan hoy dos naves en pie y otra semiderruida, además de una airosa chimenea de ladrillo. Las obras de rehabilitación empiezan hoy según un proyecto de Jordi Badia, del estudio BAAS, entre las calles Tànger, Sancho d'Àvila, Llacuna y Roc Boronat, en el centro del distrito tecnológico del 22@, justo al lado del Campus Audiovisual. El proyecto de Badia rehabilita dos naves fabriles y sustituye por un nuevo edificio otra más deteriorada. El futuro Can Framis tendrá un patio de esculturas y un parque de acceso público. En total, serán más de 5.700 metros cuadrados dedicados en su mayor parte a exposición.

Fuente: El Periódico. Sigue leyendo.

Las esculturas clásicas de Igor Kitaj impactan en el Eixample

Las esculturas clásicas de Igor Kitaj impactan en el Eixample

El Olimpo en pleno ha aterrizado en la Rambla de Catalunya, donde una colección de esculturas inspiradas en la antigüedad clásica y tamaño monumental se ha convertido estos días en una popular y fotografiada atracción. El escultor alemán de origen polaco Igor Mitoraj es el autor de las 23 piezas, pesadas obras de bronce que se instalaron mediante grúas en el tramo situado entre Aragó y Gran Via.
La presentación de las esculturas se enmarca en el proyecto de la Obra Social de la Caixa en su programa itinerante Arte en la calle, que ya ha mostrado la obra de Kitaj en Sevilla, Vigo y Palma de Mallorca. En Barcelona, a las 23 esculturas en la calle se sumarán otras dos en el patio de CaixaForum, donde se podrá visitar a partir de mañana una exposición de 14 mármoles y 35 dibujos preparatorios del artista que complementan la cita en la calle.

FIGURAS MITOLÓGICAS
Igor Mitoraj se inspira en la tradición clásica en sus esculturas dedicadas a Eros, Tíndaro o Adriano entre otros dioses y héroes. Pero les da un toque posmoderno al presentarlas como si fueran fragmentos románticos de ruinas abandonadas, con la cabeza o las extremidades cortadas. Dos de sus gigantescas cabezas cortadas, vaciadas por dentro, se han convertido en grutas a pie de suelo donde entra el público. El artista inaugura mañana la exposición acompañado del alcalde de Barcelona Jordi Hereu, que destapará tres obras inéditas del conjunto situado en el Eixample.

Fuente: El Periódico.
 

18.000 mexicanos para Spencer Tunick

18.000 mexicanos para Spencer Tunick

18.000 personas han posado desnudas para el fotógrafo Spencer Tunick en pleno centro de la capital de México. Ha quedado superado así el récord de participantes batido en Barcelona. La iglesia, que ha protestado porque la imagen se tomó frente a la Catedral, ha conseguido que, al menos, el edificio no salga en la foto.

Este ha sido el espectacular resultado. Más de 18 mil personas han posado desnudas para el fotógrafo estadounidense Spencer Tunick. El lugar elegido, el Zócalo de México. Para su autor un grito al arte, a la felicidad y ala libertad. La aventura comenzó a las cuatro de la madrugada. Miles de personas hacían cola para salir en la foto. Y al amanecer en la histórica plaza del Zócalo casi veinte mil personas se colocaban completamente desnudos haciendo frente al frío mañanero. Todos firmes a la orden de Spencer Tunick, Luego al suelo para hacer la foto. El problema apareció cuando el público vestido quería ver más de la cuenta, pero se ordenó vestirse sobre todo a las chicas. Por orden del gobierno mexicano no podrán salir en la foto ni la catedral ni la bandera nacional del centro de la plaza del Zócalo.

 Fuente: Antena 3 noticias.

Una docena de artistas modernas interpretan a los maestros del Prado

Una docena de artistas modernas interpretan a los maestros del Prado

En la iniciativa, promovida por la Fundación de Amigos del Museo, participan creativas como Ouka Leele, García Rodero y Carmen Calvo.

Una docena de destacadas artistas contemporáneas, pertenecientes a diferentes generaciones y estilos pictóricos, mostrarán su reinterpretación de obras maestras del Museo del Prado en la exposición organizada por la Fundación de Amigos del Museo del Prado, que se presentará el próximo miércoles.

Isabel Baquedano, Carmen Calvo, Naia del Castillo, Cristina García Rodero, Cristina Iglesias, Carmen Laffón, Ouka Leele, Eva Lootz, Blanca Muñoz, Isabel Quintanilla, Soledad Sevilla y Susana Solano han tomado como fuente de inspiración la colección de la pinacoteca madrileña para crear las 24 obras que se exhiben, realizadas con diferentes técnicas artísticas como son la litografía, el aguafuerte, la fotografía tradicional y la digital o la serigrafía, entre otras.

Partiendo de la particular visión que tiene cada una de estas artistas, el público podrá acceder a una meditación moderna del a Historia del Arte del pasado, abriendo la mirada a nuevas definiciones y significados estéticos y redescubriendo el universo artístico de la actualidad.

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Dalí & Film

Dalí & Film

Dalí tendrá exposiciones en la Tate Modern de Londres y el MOMA de Nueva York a partir de junio y durante un año, se titulará "DALÍ & FILM". Para que esto sea posible, la Fundació Gala-Salvador Dalí de Figueres ha prestado la mitad de las obras y está coordinando parte del proyecto.  

El 1 de junio es la fecha de presentación de esta exposición y el estreno será en la Tate Modern de Londres para viajar a Nueva York pasando por Los Ángeles y San Petersburgo.  Será una ocasión única para ver la relación entre el mundo de la pintura y el cinematográfico del artista catalán.

Es sabido por todos la gran admiración que sentía Dalí por el séptimo arte. En el "Manifest groc" consideró el cine como único arte moderno (junto al jazz y la "danza actual");  esta exposición revisará su interés por el mismo y, entre otras obras, se mostrará el guión de "La Sang Catalana", un corto sobre su país natal en el que Salvador Dalí, vestido de buzo y con escafandra en mano, habla desde el subterráneo de la Sagrada Família con música de Wagner y Pep Ventura de fondo. Es una obra que nunca se llegó a rodar pero de la que se conserva el guión completo.

En la exposición itinerante se mostrarán 60 pinturas y dibujos relacionados con la imagen en movimiento. Destacan un Retrato de Buñuel de 1924 (en la muestra también se mostrará "Un perro andaluz", apuntando la colaboración en varias ocasiones de Dalí y Buñuel), La boda de Buster Keaton de 1925 e Idilio atómoico y uranio melancólico de 1945.

Montse Aguer, directora del Centro de Estudios Dalinianos, comentó en la rueda de prensa que se está estudiando la posibilidad de traducir al castellano el catálogo de la Tate Modern, ya que "se tratará de un libro de referencia".