13 lunas

Rento recámara con tapanco, en depto de dos habitaciones, sala, cocina, baño, etc... En comunidad tranquila y con muchas plantas". Este texto, que corresponde a un anuncio inmobiliario, cotidiano, escogido al azar, es el motor de arranque del proyecto de la fotógrafa Marianna Dellekamp (México, 1968) con el que inaugura la exposición Se renta en el Instituto de México de Madrid hasta el 29 de julio, en el marco del festival PHotoEspaña. 

Este anuncio, junto con una docena más rescatados del anonimato de algún tablón o periódico, sirvieron como excusa para que la artista diese forma a un proyecto en el que, de incógnito, acompañó a una amiga en la peripecia de buscar piso y así poder atrapar las imágenes que diesen forma a los textos. Una vez allí, la artista retrató el espacio con permiso del propietario sin que éste supiera que de alguna manera iba a formar parte de un proyecto artístico. "La gente fue muy amable, pero no sabían para qué quería en el fondo las imágenes. A veces hay que valerse de muchas cosas, pero prima la ética en el trabajo. No resultaba una idea agresiva. Pido disculpas públicas", confiesa divertida, a EL PAÍS, con una inocencia casi infantil, como quien acaba de desvelar una pequeña travesura.

Fuente y sigue leyendo: El País

Luis Gordillo es el nuevo Premio Velázquez 2007. El pintor sevillano afirma que desde los comienzos de su carrera tuvo la sensación de que "la pintura tenía los pies de barro". Añade que "esta sensación de inseguridad" que le ha acompañado toda su vida, al final "ha sido como una vacuna", que le ha ido fortaleciendo.

En su discurso tras recibir el VI Premio Velázquez de Artes Plásticas 2007 de manos del Rey, Gordillo repasó su trayectoria artística, desde el informalismo de los años sesenta y el Pop Art, hasta llegar a su obra abstracta, que, destacó, es la que prefiere, "sobre todo la de los noventa y la de los últimos años". 
Luis Gordillo quiso "enviar un abrazo colectivo" a los artistas que le precedieron en este galardón, entre los que citó a Antoni Tapies -"al que veneré en mis primeros años de pintor", dijo-, Pablo Palazuelo -"con el que he mantenido una relación de amistad y de mutua admiración"- y Antonio López -"hermano o compañero de camino"-.

En la entrega del Premio Velázquez estuvieron presentes junto al Rey en el Museo del Prado la Reina Sofía y la ministra de Cultura, Carmen Calvo. 

La fotógrafa americana Lee Miller y su marido, Roland Penrose, eran grandes amigos del artista.
El hijo de la pareja encontró una colección de negativos inéditos en la buhardilla de su casa.

Lee Miller se despojó del uniforme militar y se bañó en la bañera de Adolf Hitler, que ya se había suicidado en su búnker. Es una de las anécdotas que jalonan la vida de Miller (1907-1977), bellísima modelo, fotógrafa surrealista, corresponsal de guerra traumatizada por su entrada en los campos de concentración de Dachau y Buchenwald, y amiga íntima de Pablo Picasso. El Museu Picasso se suma a la celebración de su centenario con la exposición Lee Miller. Picasso en privado, que presenta hasta el 16 de septiembre 244 obras, de las que 164 son fotos suyas en buena parte inéditas.
Tony Penrose, su hijo, las encontró a su muerte en la buhardilla de su casa de campo en Chiddingly (Gran Bretaña). Había 60.000 negativos, de los que 1.000 documentan la vida privada de Picasso y sus amigos, entre los que se hallaban Miller y su último marido, Roland Penrose, artista y teórico británico que escribió 18 libros sobre el pintor. La muestra es producto de una rigurosa investigación dirigida por la historiadora Katherine Slusher, que acerca la vida extraordinaria de una americanita de pueblo que se codeó con lo mejor de la intelectualidad de París, adonde llegó en 1930.

Pocos museos están preparados para sostener el peso físico de las monumentales obras que centran el trabajo de Richard Serra. Uno de ellos es el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), cuya remodelación incluyó la creación de las galerías contemporáneas de la segunda planta pensando, precisamente, en el trabajo de artistas como este californiano. Ayer, cuando se presentó a la prensa la retrospectiva Escultura de Richard Serra: 40 años, el artista se rindió a la visión de la pinacoteca por crear "un espacio que motivará y potenciará a generaciones venideras".
Ese espacio es donde --tras un proceso de instalación que el director del museo, Glenn Lowry, definió como "casi un ejercicio militar"-- los visitantes podrán experimentar a partir del domingo y hasta el 24 de septiembre Band, Torqued Torus Inversion y la espectacular, improbable, cautivadora y se diría infinita Sequence. Esas son las tres obras de nueva creación que, con otras 24 repartidas entre el jardín y la sexta planta del MoMA, conforman la exposición.
La muestra, un empeño conjunto del MoMA y del DIA Center for the Arts, permite encontrarse con el trabajo de un artista que reta conceptos como la masa y la forma, que es capaz de transmitir con el acero la más intensa sensación de suavidad y flexibilidad, que encuentra inspiración más allá de la arquitectura y de la naturaleza, y que convierte la escultura no en objeto sino en espacio, haciendo más que apropiada su llamada a pensar en y con los pies.
"Son espacios que cada uno siente de forma diferente", explicaba ayer Serra en la sala de la segunda planta. "He hablado con un cineasta a quien una de las obras le recordaba a rollos de cine y con un músico para quien era un instrumento. Y eso es justamente lo que quiero: que cada uno traiga su propio equipaje y recorra con él las obras".
Las piezas instaladas en la sexta planta son una mirada a los primeros trabajos de los años 60, 70 y principios de los 80, obras en las que Serra innovó con materiales como la goma, el neón y el plomo. Pero no es una mirada nostálgica. Y Lynne Cooke, una de las comisarias, lo reafirmaba. "Retrospectiva suena a repaso, a culminación, pero esta nos pide que miremos hacia adelante".

En los años 60, el arte salió a la calle en forma de happening y se contagió de la transversalidad del teatro. El contagio, que había empezado mucho antes con las locuras dadaístas, dio todo el protagonismo al espectador, que dejó de ser sujeto pasivo para convertirse en actor. De esa relación, a veces ambigua, entre las artes teatrales y las plásticas, trata la exposición Un teatro sin teatro que podrá visitarse en el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (Macba) hasta el 11 de septiembre.

Abrumadora en su extensión --dos plantas del museo-- y en la cantidad de documentación original, esta exposición de 600 obras "no es sobre teatro ni sobre escenografía", advirtió ayer Manuel de Borja-Villel, director del Macba. Lo que pretende demostrar, dijo, es que el arte "es también la construcción de un discurso" que en su aspecto ideológico y político se acerca "a la promesa de utopía que la modernidad no llegó a cumplir". En definitiva, se trataba de romper las estructuras tradicionales abriendo el escenario teatral a la vida o a la experimentación efímera. Preparada por Bernard Blistène y Yann Chateigné, la exposición carece de estructura cronológica y se articula a base de secuencias, chispazos o coincidencias. La primera planta se centra en una batería de aportaciones teóricas, entre las cuales destaca la de Antonin Artaud, que anticipaba ya la rebelión con esta consigna: "Conviene ante todo acabar con la dictadura del texto".

La colección particular de arte contemporáneo que Josep Suñol ha ido recogiendo a lo largo de 30 años se abrirá hoy al público en su sede del número 98 del Paseo de Gracia, junto a la Pedrera. La exposición inaugural, una selección de las más de 1.200 piezas de la colección, se inicia con un homenaje al galerista Fernando Vijande, con un retrato de Andy Warhol. Tres piezas de Picasso, Miró y Dalí resumen el espíritu de la modernidad. El resto es un repaso de los movimientos del siglo XX con una atención especial a Zush, Hernández Pijoan y Bartolozzi. Sin olvidar a artistas de la talla de Man Ray, Pablo Gargallo, Alberto Giacometti, Lucio Fontana, Luis Gordillo y Miquel Barceló, entre otros, sin que la intención sea establecer un discurso cronológico.

Fuente: El Periódico.

Muchos de los miembros de la generación que conoció los estertores de la Universidad franquista todavía guardan un ejemplar de Ajoblanco en algún rincón. La revista alternativa más influyente de los últimos 30 años salió a la calle en octubre de 1974, con un capital de 1.800 euros, sin publicidad y con el propósito de ejercer el asambleísmo. Llegó a vender más de 100.000 ejemplares y se convirtió en el referente libertario de una generación que quería descargarse la losa franquista. Cabía todo, o casi todo. Cabía la ortodoxia y la heterodoxia. Era sorprendente, fresca y atractiva. Era Ajoblanco y había que seguir su pista.

Horas antes de la llegada del primer número a los quioscos -entre otros asuntos se recogía un artículo sobre Frank Zappa y un informe sobre la movida sevillana-, Quim Monzò lanzó en Barcelona un brindis puño en alto: "Ajoblanco será una revista contra els imbecilistes". De todo ello y mucho más -el libro tiene 574 páginas- da cuenta Pepe Ribas (Barcelona, 1951), fundador de la revista, en Los 70 a destajo. Ajoblanco y libertad (RBA), una mezcla de autobiografía y crónica de la época. "Pertenezco a una generación con más humor que autoritarismo", asegura Ribas. "No hemos querido el poder. Posibilitamos desde la calle los cambios que llegaron después, pero la manipulación no iba con nosotros. En muchos casos se trata de gente que continúa en el compromiso desde los barrios, los sindicatos o las ONG. Nuestros hermanos mayores fueron políticos como Felipe o Maragall. Les gustaba la chanson, los dogmas, el poder y leían Triunfo, pero los seguidores de Ajoblanco no andábamos en esas coordenadas; crecimos con el ecologismo y el feminismo". La evolución de Ajoblanco creció a caballo de la CNT y los movimientos libertarios, pero siempre proclamó su independencia.

Fuente y sigue leyendo: El País

El coleccionista Antoni Vila Casas, en colaboración con la inmobiliaria Layetana, destinará unos 18 millones de euros a rehabilitar una destartalada fábrica de Poblenou para exponer de forma permanente su fondo de arte contemporáneo catalán.
Can Framis, hoy casi una ruina, ocupaba cuatro manzanas de Eixample y funcionaba desde mediados del siglo XIX como centro de teñido de algodón. Compartimentada con los años, quedan hoy dos naves en pie y otra semiderruida, además de una airosa chimenea de ladrillo. Las obras de rehabilitación empiezan hoy según un proyecto de Jordi Badia, del estudio BAAS, entre las calles Tànger, Sancho d'Àvila, Llacuna y Roc Boronat, en el centro del distrito tecnológico del 22@, justo al lado del Campus Audiovisual. El proyecto de Badia rehabilita dos naves fabriles y sustituye por un nuevo edificio otra más deteriorada. El futuro Can Framis tendrá un patio de esculturas y un parque de acceso público. En total, serán más de 5.700 metros cuadrados dedicados en su mayor parte a exposición.

Fuente: El Periódico. Sigue leyendo.

El Olimpo en pleno ha aterrizado en la Rambla de Catalunya, donde una colección de esculturas inspiradas en la antigüedad clásica y tamaño monumental se ha convertido estos días en una popular y fotografiada atracción. El escultor alemán de origen polaco Igor Mitoraj es el autor de las 23 piezas, pesadas obras de bronce que se instalaron mediante grúas en el tramo situado entre Aragó y Gran Via.
La presentación de las esculturas se enmarca en el proyecto de la Obra Social de la Caixa en su programa itinerante Arte en la calle, que ya ha mostrado la obra de Kitaj en Sevilla, Vigo y Palma de Mallorca. En Barcelona, a las 23 esculturas en la calle se sumarán otras dos en el patio de CaixaForum, donde se podrá visitar a partir de mañana una exposición de 14 mármoles y 35 dibujos preparatorios del artista que complementan la cita en la calle.

FIGURAS MITOLÓGICAS
Igor Mitoraj se inspira en la tradición clásica en sus esculturas dedicadas a Eros, Tíndaro o Adriano entre otros dioses y héroes. Pero les da un toque posmoderno al presentarlas como si fueran fragmentos románticos de ruinas abandonadas, con la cabeza o las extremidades cortadas. Dos de sus gigantescas cabezas cortadas, vaciadas por dentro, se han convertido en grutas a pie de suelo donde entra el público. El artista inaugura mañana la exposición acompañado del alcalde de Barcelona Jordi Hereu, que destapará tres obras inéditas del conjunto situado en el Eixample.

Fuente: El Periódico.
 

18.000 personas han posado desnudas para el fotógrafo Spencer Tunick en pleno centro de la capital de México. Ha quedado superado así el récord de participantes batido en Barcelona. La iglesia, que ha protestado porque la imagen se tomó frente a la Catedral, ha conseguido que, al menos, el edificio no salga en la foto.

Este ha sido el espectacular resultado. Más de 18 mil personas han posado desnudas para el fotógrafo estadounidense Spencer Tunick. El lugar elegido, el Zócalo de México. Para su autor un grito al arte, a la felicidad y ala libertad. La aventura comenzó a las cuatro de la madrugada. Miles de personas hacían cola para salir en la foto. Y al amanecer en la histórica plaza del Zócalo casi veinte mil personas se colocaban completamente desnudos haciendo frente al frío mañanero. Todos firmes a la orden de Spencer Tunick, Luego al suelo para hacer la foto. El problema apareció cuando el público vestido quería ver más de la cuenta, pero se ordenó vestirse sobre todo a las chicas. Por orden del gobierno mexicano no podrán salir en la foto ni la catedral ni la bandera nacional del centro de la plaza del Zócalo.

 Fuente: Antena 3 noticias.

 La exposición '100 pósters para un siglo', organizada por la Fundación Pedro Barrié de la Maza, en colaboración con el Museo de Diseño de Zurich, plasma de manera cronológica el auge de este género artístico, surgido a finales del siglo XIX, pero también su ocaso como medio de comunicación.

La colección, que se exhibe desde esta semana en la sede de esta entidad en Vigo, es una cuidada selección de 100 significativos anuncios que plantean un recorrido por el cartelismo del siglo pasado.

Desde Jules Chéret hasta Henri Toulouse-Lautrec. Desde Andy Warhol a Peter Gee. Una pieza junto a otra para reflejar lo importante y lo trivial; el deseo honesto y la mentira; asuntos de altos vuelos y otros más banales; la políticas y los conflictos sociales; el consumo y la publicidad; o el ocio y la cultura.

Aunque aún hoy continúan diseñándose pósters, su objetivo ha cambiado. "Se siguen haciendo, pero como canal, como medio de comunicación ha perdido ya su eficacia", afirma Marta Rey, directora de la fundación, quien señala que soportes como Internet o la televisión en directo acabaron, en cierto modo, con el fin por el que nació.

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 Olafur Eliasson, artista danés cuyo trabajo combina el paisaje con la percepción sensorial y las leyes de la física, ha sido el primer galardonado con el premio Joan Miró 2007 que ayer se hizo público. El premio, creado por la Fundació Joan Miró y que patrocina la Fundació Caixa Girona, se concede por primera vez con la intención de convertirse en un referente internacional en el campo de las artes plásticas.

Eliasson (islandés nacido en Copenhague en 1967) realiza instalaciones específicas que remiten a los paisajes de Islandia y que acentúan con sutileza la percepción de los colores y los espacios. Utiliza la luz, el agua, el hielo y las nubes en su trabajo, que está siendo un referente en el panorama internacional. Actualmente prepara la exposición Take your time: Olafur Eliasson, que se presentará en San Francisco y en el MOMA de Nueva York.

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Un museo moderno y activo, de hormigón, con una fachada de cristales de colores inspirados en una vidriera de la catedral gótica de León, ha obtenido el premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea. El Musac (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla-León), proyectado por los arquitectos madrileños Luis Mansilla y Emilio Tuñón, superó en la consideración del jurado por mayoría a otros seis edificios entre los que figuraban, por ejemplo, el Museo Mercedes-Benz de Stuttgart (Alemania), el edificio Veles e Vents de Valencia y la Escuela de Administración de Empresas de Burdeos (Francia).
Considerado el principal galardón de arquitectura europea, el premio Mies se concede cada dos años. Hasta ahora lo han obtenido entre otros, Rafael Moneo, Zaha Hadid, Norman Foster, Dominique Perrault y Alvaro Siza. Lluís Hortet, secretario del jurado, dijo ayer que el galardón "quiere ser un premio de ejemplaridad, que queremos brindar como modelo a la administración y que tiene un papel pedagógico importante". 

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 El pintor Luis Gordillo trabajaba ayer en la preparación de una exposición retrospectiva de su obra para el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid cuando la ministra de Cultura le comunicó que había sido galardonado con el Premio Velázquez de Artes Plásticas 2007. Este reconocimiento unánime del jurado afianza la determinante posición que Gordillo ocupa en la formación de la vanguardia artística española de la segunda mitad del siglo XX.

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Pregunta. ¿Hasta qué punto reivindica la influencia del neoimpresionismo en el arte del siglo XX?

Respuesta. Trato de entender las grandes ideas que han marcado los siglos XIX y XX. En toda la historia del arte occidental siempre hay una continuidad. Nunca ha habido rupturas bruscas. Por eso es imposible entender a Picasso y a Matisse si se dice que su precedente inmediato es el impresionismo. Fue un movimiento importante en su tiempo, pero siempre he creído que, en la historia del arte moderno, es marginal. Hay otra corriente de fondo, que fundamentalmente arranca de Puvis de Chavanne. A partir de ahí, Seurat, Gauguin, Cezanne y Van Gogh serán claves en el proceso de transformación del arte de finales del XIX y principios del XX. Proceden del impresionismo pero van mucho más allá.

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